MUSIQUE
ARTICLE 7
ARTICLE 7
Vaporwave : du rose bonbon à la critique d’une société capitaliste.
Décembre 2019 - Jad B.
Nous avons tous déjà vu quelque part ce genre d’image, que ce soit au fin fond de notre feed Instagram, publication Facebook perdu ou une vidéo YouTube apparu au hasard. Des images esthétiques, plaisantes à voir, mais dont le sens et le contenu semble être incompréhensible. Allant du Glitch informatique, de statuette d’Alexandre Le Grand, et de bouteille d’Arizona, le tout dans un fond rose, cela a de quoi laisser perplexe.
Intrigués par ces œuvres si originales, nous scrutons la description Facebook de l’image, et nous lisons « a e s t h e t i c » et « V A P O R W A V E ».
Pour faire simple, la Vaporwave est tout d’abord un mouvement musical ayant émergé sur internet dans les années 2010, puis a fini par évoluer en genre artistique et mouvement culturel, ou plutôt contre-culturel. Bien que le message du mouvement soit complexe et dissimulé sous une brume esthétique, visuel tout comme musicale, il peut être vu comme une critique de la société de la consommation et d’un capitalisme sauvage, mais aussi d’une nostalgie des années 80-90, et pour la technologie rétro.
Cet intérêt se divulgue à travers la musique, la Vaporwave consiste en des remix, utilisant la technique du chopped and screwed, de musique de cette époque, généralement de funk, jazz ou pop, ou même de musique de publicité de l’époque (un bon grand nombre de remix ont été fait grâce a la pub de Playstation). En produisant des morceaux à partir de musiques méconnues du siècle dernier, de jingles saturé ou de musiques libres de droit de piètre qualité, la Vaporwave cible et recycle ces sonorités perdues dans le consumérisme et la surpublicité.
Outre la critique de la société, l’objectif premier est le dépaysagement de l’auditeur, une perte de tout les repères en l’initiant a une musique remixée, lente et hypnotique. Cet hypnose ne se fait pas qu’auditivement mais aussi visuellement, les musiques vaporwaves sont toujours d’un support sous la forme de vidéos, gifs, et d’images farfelues et soporifiques. La représentation de l’étrange et de l’inhabituel est voulue, d’où la représentation de statues antiques, de rose, d’animation et caractères nippons et de logo de marque photoshopés.
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Cette perte de repère est propice au « Spleen », une fuite du monde réel, ou le consommateur est constamment manipulé pour achetés, vers un paysage trippant, psychédélique et rétro. La fuite d’une dystopie.
La Vaporwave est aujourd’hui morte, mais elle a su donner naissance a de nouveaux genres, le Future Funk, la synthwave et le lo-fi. Tous utilisant la même esthétique mais avec un style musical différent.
Pourtant l’un de ses descendants, le lo-fi, a su pénétrer la scène mainstream et se populariser.
Que nous réserve donc l’avenir comme genre musicale unique, maintenant que cette culture à bourgeonné au grand jour ?
ARTICLE 6
TYLER, THE CREATOR : RAPPEUR HOMOPHOBE DEVENU CRÉATEUR HOMOSEXUEL
Novembre 2019 - Ali C.
Un voyage inédit, celui d’un rappeur américain très controversé pour ses propos homophobes devenu référence de l’expression du genre plus ou moins indie plus ou moins autre chose, utilise sa musique pour faire évoluer sa propre orientation sexuelle ; on vous explique.
Tyler Gregory Okonma, dit Tyler, The Creator, n’est pas facile à introduire ; il définit son propre style et échappe aux catégories, chaque morceau est une réinvention de sa musique, chaque album raconte une nouvelle phase de sa vie personnelle et de son état mental. Des plus graves aux plus aigus, de propos haineux aux tournures les plus poétiques, Tyler nous prend la main (un peu fort) et nous fait traverser différents tableaux de sa vie, en allant du sombre à l’éblouissant. Une balade qui ne passera probablement pas par le Royaume Uni, puisque Tyler y est encore banni aujourd’hui à cause de ses paroles plutôt… inhabituelles.
Dans sa première trilogie, Bastard puis Goblin puis Wolf, Tyler nous présente des personnages qu’il joue lui-même à travers une narration tendue, souvent violente, dans le cadre de séances chez le psy. Nous ferons omission des appels au meurtre, au suicide, à la haine, au terrorisme, des propos transphobe, sexistes, racistes (un bel effort d’omission, bravo), pour se focaliser sur sa manière de parler de l’homosexualité, comme par exemple…
“I’ll crash that fucking airplane that that f*ggot nigga B.o.B is in
And stab Bruno Mars in his goddamn esophagus –
Parmi ces traits meurtriers, la couleur qui revient le plus, et qui reviendra dans Cherry Bomb (l’album d’après), est l’homophobie constante et récurrente, surtout avec le mot « faggot » qui se répète un peu partout dans ses paroles. Puis Tyler change son jeu, il gagne en maturité sur tous ses registres, et mise plus sur la confusion que la violence, surtout autour de la sexualité, puisque la nouvelle stratégie est celle de semer le doute sur son orientation à lui…
“Next line will have ’em like “Woah”
I’ve been kissing white boys since 2004 –
… dit-il, dans Flower Boy (l’homme fleur, rien à dire), son album qui suit dans lequel sa rhétorique bascule, et où les indices sur un possible coming out se multiplient. Puis arrive Igor, son album le plus récent dans lequel il joue un personnage à la vie amoureuse riche en conflits. Igor est un personnage homosexuel très déguisé (perruque, costume), et Tyler compte bien s’en servir pour entretenir les doutes sur qui il représente vraiment, et quelles conclusions en tirer sur l’auteur, qui dit d’ailleurs…
“No need for masks
Bust through the door –
… comme une invitation pour “sortir du placard” (come out of the closet) et dévoiler son homosexualité. Les propos misogynes sont encore présents, mais ils passent d’une perversion et obsession sexuelle à du dégoût pour la femme.
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Tyler est sans doute tourmenté, mais il a le grand mérite de nous faire voyager dans sa vie pleine de rebondissements à travers sa musique, et avec un fil conducteur très clair et cohérent. L’orientation sexuelle des personnages qu’il joue a un rôle central dans cette évolution, au-delà de Tyler seul, elle est caractéristique du débat actuel sur la remise en question de l’homophobie ; au-delà de Tyler seul, elle pousse presque son audience à s’imaginer suivre le même chemin, ou dois-je me poser des questions ? A.C.
ARTICLE 5
Trinix : Enfin dans les bacs
Octobre 2018 - Inès T.
Vous commencez à connaître ce nom : Trinix. Ce jeune duo de DJ vient de sortir son premier album en physique. Âgés tout juste de 26 ans, le groupe déjà populaire connaît une ascension continue depuis maintenant 3 ans. Leur nom est parfois rapproché de celui de Petit Biscuit de part leur style électro.
Mayday est dorénavant disponible en CD mais aussi en vinyle, comme annoncé au préalable sur les réseaux sociaux.
Loïs Serre et Josh Chergui se sont rencontrés beaucoup plus jeunes, en 2008, alors que Loïs allait intégrer la maîtrise de l'Opéra de Lyon. Ils ont commencé à passer du temps ensemble, à pratiquer leur loisir commun. Ils composaient à deux via le système de Musique Assistée par Ordinateur (M.A.O.) et publiaient leurs créations sans s'attendre au succès qui a suivi.
"C'est un rêve de gamin"
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Interview de Josh et Loïs (alias Trinix) par Hotmixradio
Josh et Loïs ont fait leurs débuts en partageant leurs créations sur des plateformes telles que Spotify ou iTunes uniquement dans la visée d'être écoutés mais sans réellement s'auto-promouvoir ou penser pouvoir être payés pour cela. Cependant, en augmentant leur audience jusqu'à atteindre des milliers, puis des millions d'écoutes par mois, ils perçoivent un revenu accordé par ces applications. Josh confie "En vrai, on avait mis notre son sur iTunes et Spotify seulement pour la classe. On ne savait pas qu’on pouvait gagner de l’argent par ce biais-là"
L'album contient d'ores et déjà des titres phares, tels que "Close to Me". Je vous laisse en juger par vous-mêmes.
Qu'en pensez-vous ? Partagez votre avis dans l'espace des commentaires, j'ai vraiment envie de savoir. Que pensez-vous des sons utilisés dans l'instrumentale ? Plutôt original, non ?
Comme ils le disent, c'est un rêve devenu réalité. Vous pourrez retrouver l'idée de l'espace dans leur album (leur premier titre s'apelle d'ailleurs NASA), qui fait référence à leurs autres rêves d'enfant.
L'album contient des titres plutôt variés, même s'il conserve l'identité "calme" du groupe. Je vous conseille vivement d'aller écouter cette album aux couleurs chaleureuses de Los Angeles (puisque c'est là-bas que Trinix a décidé de terminer son périple pour Mayday) !
ARTICLE 4
Si les bâtiments explosent, c'est pour fabriquer des étoiles
Février 2018 - Charlotte G.
Aurélien Cotentin, ou sous le nom que vous lui connaissez mieux, Orelsan, fait un comeback remarqué dans la musique, après 1 an et demi d’absence. Car il n’y a pas que ses titres qui rencontrent un franc succès, mais aussi les clips de son album, grâce à des collaborations bien choisies.
Le rappeur français perce vraiment en 2008 avec sa chanson « changement », avant de commencer officiellement sa carrière avec son premier album « Perdu d’avance » sorti en 2009. L’artiste est récompensé de nombreuses fois aux MTV Europe Music Awards, NRJ Music Awards, Trace Music Awards et bien d’autres… Performance qu’il a réitéré pas plus tard qu’aux dernières Victoires de la Musique, le 9 février 2018. Parmi ses trois Victoires, celle du Clip de l’année, avec Basique. Mais aujourd’hui, c’est Tout va bien qui nous intéresse.
Deuxième clip de son dernier album « La Fête est finie », Tout va bien a été réalisé par Greg & Lio, tout comme Basique. Une équipe convaincante, puisque ces deux français ont aussi brillés à travers leur travail sur les clips de Jain (Makeba), Gringe (Le Mal est Fait) et James Morrison (Demons). Dans Tout va bien, co-produite avec Stromae et Skread et tourné en Ukraine, les euphémismes soigneusement choisis par Orelsan dénoncent les misères de notre monde avec une naïveté infantile.
Le clip est en parfait accord avec les paroles, illustrant ainsi la mort d’un SDF, les bleus d’une femme battue ou encore la guerre, de manière à embellir la vérité. La vidéo semble être tournée dans le monde d’un enfant, où les jouets XXL (robot, ballon, soldats de plombs, kaplas…) qui parsèment les images transforment la réalité en terrain de jeu géant.
On remarque à plusieurs reprises le titre « Tout va bien » se glisser dans les plans, comme dans les mains du sans-abri par exemple. Alors que le petit garçon commence à taguer « Tout va mal » sur le Rubix cube, le refrain lui assurant que tout va bien, l’interrompt dans son élan.
Avec un peu d’attention, vous noterez aussi l’attitude de l’enfant. Il ne parle pas, mais ses gestes sont lourds de sens. Nous le voyons à trois reprises se cacher une partie du visage : les yeux, la bouche, et les oreilles, imitant les trois émojis singes, eux-mêmes inspirés du symbole asiatique de la sagesse. Les trois singes espiègles évoquent la règle de ne pas voir, ne pas dire, ni entendre le mal. Tant d’éléments insinuant, ou accusant, l’être humain de fermer les yeux sur les injustices de notre monde.
Les images du clip, tout comme les paroles, mentent au spectateur et à l’enfant, assurant que tout va bien dans le meilleur des mondes. A travers un message subtil, Orelsan nous invite néanmoins à ne pas y croire et à utiliser notre propre jugement. En effet, si les paroles en ukrainien prononcées par le petit garçon à la fin du clip sont sous-titrées « tout va bien », il nous prévient en réalité de « ne pas [croire] tout ce qui est écrit ».
ARTICLE 3
Lindsey Stirling :
du violon comme vous n'en avez jamais vu !
Avril 2017 - Thomas B
Le violon évoque pour la plupart d’entre nous un style de musique côtoyant principalement le classique. Mais saviez-vous qu’il était également possible de mélanger le son particulier de cet instrument à des styles plus récents tels que le hip-hop, le rock, voire même l’électro ? C’est ce que nous propose Lindsey Stirling, une violoniste hors pair au style unique considérée aujourd’hui comme l’une des stars les plus innovantes du 21ème siècle.
Attention, sa musique vous rendra accro !
Ses premiers pas
Lindsey Stirling est une violoniste, danseuse, imprésario de musique électronique et artiste née en 1986 dans la ville de Santa Ana en Californie. Elle grandit entourée par la musique classique qu’écoute son père et aspire très tôt à apprendre le violon.
C’est ainsi qu’elle commencera sa première leçon à l’âge de 6 ans malgré les difficultés financières de sa famille. À l’âge de 16 ans, celle-ci rejoindra un groupe de rock composé de ses 4 meilleurs amis et gagnera deux titres lors du concours de musique Arizona Jr Miss grâce à un solo de violon rock qu’elle aura composé. Elle continuera ainsi ses leçons de violon pendant 12 ans et participera à la fameuse émission America’s Got Talent en 2010 où elle finira en quart de finale.
« Vous n'êtes pas sans talent, mais vous n'êtes pas assez douée pour vous en sortir en virevoltant dans les airs et en essayant de jouer du violon en même temps. »
« Vous devriez être dans un groupe… Ce que vous faites n'est pas suffisant pour remplir une salle à Las Vegas. »
Malgré les critiques des juges, Lindsey Stirling n’a jamais baissé les bras : « J'ai été dévastée par les résultats… C'était douloureux et un peu humiliant, mais j'ai dû réapprendre à puiser dans mes forces. »
​C’est à l’aide d’internet et notamment de Youtube que la violoniste gagnera de la popularité. Chacun de ses clips vidéo dans lesquels elle interprète ses propres compositions ainsi que des reprises seront visionnés plusieurs millions de fois. Son style principal est le dubstep.
Un succès incontestable
​En 2012, la star montante sortira son premier album, sobrement intitulé Lindsey Stirling, qui s’accompagnera de sa première tournée mondiale. La même année, elle apparaîtra également aux côtés de Flo Rida dans la publicité du jeu de danse Just Dance. Son album atteindra la seconde place du Top 200 Billboards US et restera en tête du chart Classical Album pendant 21 semaines consécutives avant de devenir disque de platine en Allemagne, Autriche et Suisse, disque d’or en Pologne et disque d’argent en France. La sortie de son deuxième album Shatter Me en 2015 rencontrera un plus fort succès puisqu’il gagnera une certification d’or et se classera premier du Classical Chart du Billboard de l’année 2015.
Aujourd’hui, la violoniste possède plus de 8 millions d’abonnés sur Youtube et comptabilise plus d’un milliard de vues sur sa chaîne. Le magazine Forbes la classe 4ème sur la liste des artistes de Youtube et première parmi les femmes. Son troisième et dernier album, Brave Enough est aujourd’hui dans les charts et continue sur la lancée des deux albums précédents. Lindsey Stirling est d’ailleurs actuellement en tournée mondiale pour la promotion de ce dernier album.
Une année tragique
Le 21 novembre 2015, le pianiste et meilleur ami de Lindsey Stirling, Jason Gaviati, décède d’une crise cardiaque suite à la guérison de son cancer. Ce tragique accident ébranle la violoniste au plus profond d’elle-même et elle décide de s’en inspirer pour l’écriture de son dernier album.
« J’ai ouvert mon cœur comme jamais auparavant. Il faut du courage pour y arriver, c’est pour cela que j’ai appelé cet album Brave Enough. La vulnérabilité est souvent perçue comme un signe de faiblesse, et pourtant, c’est tout le contraire. Les personnes authentiques et vulnérables sont les plus courageuses. Gavi était quelqu’un de courageux. Il aimait avec tout son cœur et après sa mort, j’ai dû être courageuse pour continuer à vivre. »
Certaines des chansons de l’album lui sont dédiées telles que Gavi’s song et Those days.
Lindsey Stirling est une jeune artiste au potentiel et au succès incontestables. Mêlant avec habileté violon et musiques aux sonorités techno, elle révolutionne le genre et ne cesse de conquérir le cœur de nouveaux fans.
Si jamais vous ne la connaissez pas, foncez, vous allez adorer !
ARTICLE 2
Février 2017 - Charlotte G
Fakear :
"l'électro sensible"
Un premier album paru en juin 2016, une tournée en ce début 2017 … Fakear, musicien électro aux inspirations larges, fait parler de lui. Si cela fait cinq ans que le jeune homme peaufine sa carrière, il apparaît désormais comme un nom incontournable des révélations du moment. Il joue maintenant dans la cour des grands, convié au mondialement connu Ultra Music Festival de Miami (2016), aux côtés de David Guetta, d’Avicii et de d’Afrojack.
Petit zoom sur le nouvel ambassadeur de l’électro française.
La musique de Fakear est plus complexe que de simples beats électroniques. Ses sons nous font aussi voguer au sein ses influences pop, world et rock, tout en nous donnant un aperçu de ses nombreux voyages. Si « Silver » est selon lui, le morceau le plus pop… écoutez « Morning in Japan », et vous entendrez le Japon comme si vous y étiez. De manière générale, ses compositions sont légères, aériennes, ensorcelantes. Nous sommes donc loin de l’univers des DJs de nuit. Fakear puise son inspiration principalement dans les émotions : celles que lui procure sa petite amie (« Song for Jo », « la belle âme »), celles ressenties en se promenant dans sa campagne natale… d’où les titres poétiques tels que « La Lune Rousse » et « Le Chant du Monde ». Les sons de Fakear sont en constante évolution, tout comme leur compositeur : après avoir connu une période stimulante lors de sa rencontre avec Jo, sa musique tend aujourd’hui vers l’acoustique. Récemment, le DJ a en effet décidé de donner un peu plus de place aux instruments dans ses morceaux, et a invité des musiciens de jazz à participer à ses compositions, pour les envelopper d’une douceur nouvelle.
Mais derrière « L’étoile montante qui incarne le changement », se cache Théo Le Vigoureux, un garçon intérieur et sensible. Théo est avant tout une personne honnête, et un peu introvertie. Se reconnaissant lui-même casanier, il n’apprécie pas particulièrement la musique électronique composée pour les soirées en discothèque, et privilégie des sons porteurs d’émotions. Les pieds sur terre, il est conscient qu’il ne doit pas se contenter de cette période d’ascension et des éloges sur son nouvel album.
« Je me suis dit que ce n’était pas ce que je voulais,
ce milieu de paillettes où tout le monde t’encense
même quand tu fais une blague nulle. »
Allez le voir :
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À Lille le samedi 18 mars 2017, Zenith Arena - Lille - Dans le cadre du festival Les Paradis Artificiels 2017
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À Lille le jeudi 27 avril 2017, L'aeronef
Anecdotes :
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Théo est aussi un fan de Miyazaki : le visionnage de « Princesse Mononoké » l’a retourné, et influence aujourd’hui grandement l’éthique de Fakear et son rapport à l’écologie.
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Le nom « Fakear » est la contraction des deux mots « fake » et « ear ». Cela vient du fait que ses amis rockeurs lui ont dit que l’électro n’était pas de la vraie musique, "c’est faux".
Il souhaite se renouveler, encore et encore, pour avoir toujours un message à faire passer à ses auditeurs à travers ses musiques… afin que « Fakear reste Théo ».
ARTICLE 1
Janvier 2017 - Emma N, Paolo M et Charlotte G
Ibrahim Maalouf :
"Comme un vent de nouveauté"
Ibrahim Maalouf est né à Beyrouth, en 1980 pendant la guerre civile au Liban. Il est issu d’une famille de musicien : sa mère est pianiste et son père, trompettiste. Immergé dans le monde de la musique dès son plus jeune âge, Ibrahim Maalouf continue sur cette voie : il est aujourd’hui un compositeur, trompettiste et arrangeur musical reconnu. Il s’oriente vers le jazz, mais sa musique s’inspire également de différents styles musicaux comme le jazz fusion, la musique orientale et même la musique classique. La trompette, le piano et le bugle* sont à ce musicien ce que la couleur et la toile sont au peintre.
Une musique plurielle pour un public uni
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Pour cette star du jazz et des musiques du monde, les inspirations sont multiples voire infinies. Ibrahim Maalouf est ouvert à toutes les sensibilités musicales tant de la musique électronique qu’à la sensibilité classique ou baroque ; que son père lui a transmis. Mais l’héritage de sa famille représente plus qu’un instrument à vent. C’est le goût du changement, de l’innovation, et une conception décalée de la musique. Le trompettiste est inspiré par la manière de jouer non conventionnelle de son père, quel que soit le style.
Et ce travail porte ces fruits. La chaleur de l’unisson que l’on ressent lors du partage du riff chanté en chorale avec le public « We are the world » frissonne, rassemble et unit un public pourtant hétéroclite.
La première fois que l’on m’a parlé de lui, on m’a dit : « Mes grands-parents m’ont invité à un de ces concerts, c’était magique ! ». La musique d’Ibrahim Maalouf est non seulement universelle, mais aussi intergénérationnelle. Capable de reprendre des titres pop comme ceux de Jay-Z ou Rihanna, il peut aussi composer des morceaux rocks ou classiques, avec pour seuls outils, sa trompette et son oreille.
Faire de la musique un lien intergénérationnel, c’est en tout cas un pari réussi pour un homme qui prône la diversité transgenre.
Puiser dans les souvenirs pour révéler le talent
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Beirut, morceau de 11 minutes, issu de l’album Diagnostic, nous fait vibrer. Et pour cause, il est extrait d’un des souvenirs forts de l’artiste : celui du bombardement de sa ville natale, au milieu de son adolescence.
D’abord lente et mélancolique, la trompette essoufflée chante sur un fond de piano. La douce plainte de l’instrument prend ensuite des tonalités plus orientales, toujours mêlées à des imperfections contrôlées, comme une voix brisée par des sanglots. Puis, à la huitième minute, contraste. Ibrahim Maalouf nous surprend avec une explosion de son, la trompette se ressaisie, accompagnée d’une batterie énergique et d’une guitare électrique déchaînée. C’est tout le génie de l’artiste qui s’exprime là : en 11 minutes, en un morceau, il y en a pour tous les goûts et pour toutes les émotions.
Un artiste à succès restant proche de ses auditeurs
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La stratégie marketing d’Ibrahim Maalouf se concrétise par sa présence sur les réseaux sociaux, où il opère avec son public un dialogue tant artistique qu’émotionnel.
Ses interviews évoquent l’improvisation musicale comme un outil de communication avec ses fans, comme si le jazz fusion rassemblait les gens malgré leur différence. Une communication qui fonctionne, au vu de sa page Facebook à plus de 150 000 fans et un Bercy complet (20 000 places) en décembre prochain. La plus grande salle de France n’a pas suffi à contenir une audience passionnée qui croît toujours depuis plus de 15 ans. Le dernier - et seul - jazzman à avoir accompli cet exploit était Miles Davis, en 1984, alors qu’il partageait l'affiche avec Gil Evans et Bobby McFerrin.
Utilisant la trompette à quart de ton, inventée par son père en 1960, Ibrahim recourt à l’improvisation sur des sonorités du monde oriental dont il est issu.
Les récompenses musicales pour Ibrahim Maalouf sont nombreuses et à chaque fois des tremplins pour sa carrière. D’abord des victoires de concours internationaux au nombre de 4, primant sur les aspects techniques du jeu ; viendront ensuite deux victoires du jazz et une victoire de la musique pour l’album Illusion à la couverture particulière.
Ibrahim Maalouf a réussi, ces dernières années, à imposer son jeu qui transcende les générations en mêlant improvisation et technique. Le caractère novateur de sa musique quel que soit le chemin (hard rock ; hip hop ; reggae ou musique classique) est assuré par sa trompette qui ramène des sonorités arabes dans une instrumentale qui ne l’ai pas forcément.
*Instrument de musique à vent de la famille des saxhorns, sous-famille des cuivres, il a théoriquement le même registre que la trompette en si.